¿De verdad los sintetizadores analógicos son mejores que los VST?

Mucha gente dice que los sintetizadores analógicos tienen una calidez y una profundidad que lo digital no alcanza, pero la distancia se está cerrando rápido.‍ Antes de entrar a las comparaciones directas, vámonos un momento para atrás en el tiempo.

La pelea entre sintetizadores analógicos y digitales arrancó en serio en el terreno comercial en 1983, con la salida del Yamaha DX7.

Yamaha DX7

El DX7 trajo una paleta de sonido completamente nueva: los tonos vidriosos y fríos de la síntesis FM, que definieron toda una era del pop en la década de 1980 y que siguen sonando hoy en artistas de primer nivel (el teclado principal de “Somebody Else” de The 1975 es un DX7).

Y había mucho que celebrar en los nuevos sintetizadores digitales. En general eran más confiables, más fáciles de usar y con el tiempo mucho más baratos que los analógicos.

Con la llegada del Digital Audio Workstation, o DAW (software como Logic, Ableton y Pro Tools), aparecieron los sintetizadores VST (Virtual Studio Technology), muchos de ellos emulaciones de hardware mucho más caro.

Pero como la música y el arte se reciclan y se remezclan sin parar, era inevitable que los sonidos cálidos y ondulantes de los sintetizadores analógicos aguantaran, y aquí en 2022 están más populares que nunca. Los sintetizadores viven un renacimiento mundial, con comunidades que brotan en toda clase de rincones de internet iluminados con neón.

Como alguien que ha usado sintetizadores toda la vida, me da gusto decir que ya salimos de la pesadilla digital de principios de la década de 2000, y que los DAW y los sintetizadores VST se están poniendo muy buenos.

¿Qué tan buenos? ¿Vale la pena soltar esos $3k en un polisintetizador analógico nuevo? ¿O con un vst de $200 la libras?

Analógico vs digital

La respuesta, claro, no es tajante.

Empecemos por lo bueno de lo analógico.

Si eres purista o entusiasta de los sintetizadores, o haces música basada en ellos, hay una riqueza y una profundidad increíbles en algunos analógicos que, al momento de escribir esto, siguen llevando ventaja (al menos para mis oídos).

Escucha este track inspirado en Blade Runner, que muestra el sonido increíble del Yamaha CS80 si quieres oírlo por tu cuenta.  Para mi oído, ningún VST le compite (y he probado un montón de vst de CS80). Pero ese sonido increíble se paga: un CS80 original y en buen estado se puede vender en $100,000 o más.

El Yamaha CS-80

Claro que hay sintetizadores analógicos más baratos, y suenan muy bien. El productor de melodic house Tim Green me dijo una vez que sí oye la diferencia, no que uno sea mejor que el otro, sino que suenan distinto.

Yo tengo un Sequential Prophet 6 y, para mi oído, sí tiene una profundidad que no le saco a un VST. Tiene filtros hermosos y es un placer tocarlo. ¿Pero de verdad creo que lo necesito para hacer buena música?  Esa sigue siendo una pregunta abierta. Depende de qué busco con el sintetizador.

¿Y los VST?

El mundo de los VST

Si no estás haciendo bandas sonoras de sintetizador nivel hollywood y te animas a meterte al terreno digital, hay opciones muy buenas.

U-he Diva VST

Diva, de U-he, es un vst emulador de sintetizador analógico muy popular con el que me sigo topando en tutoriales de producción, y con razón: suena increíble.  Y no solo para mi oído: Disclosure, 3LAU, Ben Bohmer, Monolink, Todd Terje, Odesza y Hans Zimmer lo tienen en su arsenal de sintetizadores.  Si quieres oírlo por tu cuenta, aquí hay una comparación directa entre Diva (€180) y un Sequential OB-6 (€3000).

Y hay muchos más allá afuera, reseñas sin fin, comparaciones en youtube y demos para explorar.

¿Qué es lo que importa?

A fin de cuentas, esta es la pregunta más importante.

¿Eres entusiasta de los sintetizadores, con oído de audiófilo, de quien necesita el sonido analógico más rico y de mayor fidelidad que se pueda imaginar? Si es así, el mundo analógico probablemente es tu mundo.

Filtros que nadie ha logrado emular, un sonido sutilmente más profundo, el tacto de teclas y controles reales: hay mucho que amar en los sintetizadores analógicos.

Pero cuestan, y si eso vale la pena ya es otra pregunta.

¿Estás haciendo beats low-fi, donde lo que manda es el mood o la voz? ¿O música donde los sintetizadores van enterrados entre todos los demás instrumentos de la mezcla? En ese caso, un par de vst bien elegidos te resuelven.

Y la pregunta más importante: ¿el público lo nota (o le importa?) ?

Siempre tengo que recordarme que (al menos para mí) los sintetizadores son parte de mi caja de herramientas para hacer música, y como ya platicamos en Por qué no hay reglas en la industria musical, alejarte y ver el panorama completo sirve mucho a la hora de decidir qué equipo comprar.

Así que la pregunta que siempre me hago es: “¿este equipo es necesario para mi misión de hacer la mejor música que pueda?”

Cómo armar el equipo de tu proyecto musical para una carrera exitosa

En el negocio de la música, igual que al armar un equipo sólido alrededor de un artista, es clave cultivar relaciones personales y tener una visión clara de tu carrera musical. Ya seas un artista emergente o alguien que apenas arranca, entender el papel de las piezas esenciales del equipo, como el manager, el agente de booking, el tour manager y quien lleva tus redes sociales, hace una diferencia enorme para moverte entre las complejidades de la industria musical. Armar tu equipo con cuidado y con criterio te asegura el apoyo correcto para avanzar en tu carrera.

Las piezas centrales: manager, agente de booking y manejo de gira

Igual que elegir el sintetizador correcto implica balancear calidad y costo, armar tu equipo implica elegir a las personas correctas, las que creen en tu música y en tu misión. Los abogados de entretenimiento y las editoras musicales son otras piezas del equipo con un papel crítico: proteger tu propiedad intelectual y gestionar los derechos de edición musical. El manejo de gira es parte esencial de coordinar los conciertos y las oportunidades de presentación, y de que todo salga bien y a tiempo.

El papel de los sellos y de los contratos de sello en la carrera de un artista independiente

Los sellos, ya sean disqueras grandes o casas enfocadas en artistas independientes, dan un apoyo importante en las campañas de lanzamiento de álbum, en los equipos de marketing y en la distribución a los servicios de streaming. Entender los contratos de sello y cómo pegan en la carrera de un artista es clave para decidir el mejor camino para tu música.

Cómo consiguen espacio en medios y radio los publicistas y los equipos de marketing

Los profesionales de relaciones públicas y los equipos de marketing ayudan a los artistas a conseguir espacio en medios, con boletines de prensa y con programación en distintas estaciones de radio. Tienen un papel esencial al promover música nueva y lanzamientos de canciones, al construir la identidad visual de un artista y al ampliar su presencia en la industria musical.

La relación de trabajo con abogados de entretenimiento y editoras musicales

Un buen abogado vale oro para negociar contratos y llevar los asuntos de negocio, y para que el interés del artista siempre vaya primero. Las editoras musicales administran los derechos de edición musical y ayudan a asegurar fuentes de ingreso adicionales, lo que las vuelve piezas centrales en el lado de negocio de la música.

Otras piezas del equipo: quien lleva las redes, ingeniero de grabación e ingeniero de monitores

A muchos artistas también les sirve sumar gente al equipo: quienes llevan las redes y arman la estrategia y el contenido para enganchar a los fans, los ingenieros de grabación que cuidan la parte técnica de la música grabada y los ingenieros de monitores que hacen que los conciertos suenen lo mejor posible.

Cómo moverte entre oportunidades de presentación y cómo negociar contratos

Los agentes de booking y los managers trabajan juntos para conseguir presentaciones, negociar contratos y acordar el precio de los boletos. Esa colaboración es vital para que funcionen los conciertos y las fechas de gira, que muchas veces son una fuente de ingreso importante para los artistas.

Por qué pesan la identidad visual y la marca de un artista

Construir una identidad visual fuerte es clave para conectar con los fans y dejar una marca memorable. La identidad visual sostiene las campañas de lanzamiento de álbum, el merch y todo el trabajo de marketing que acompaña la carrera musical de un artista.

Colaborar con otros artistas y armar tu propia red

Armar tu propia red y cultivar relaciones personales con otros artistas, con promotores y con profesionales de la industria te abre puertas a oportunidades y colaboraciones nuevas, y te da más alcance e influencia en el negocio de la música.

Los asuntos de negocio: el papel de los contadores y de los buenos abogados

Llevar bien los asuntos de negocio, incluidas la contabilidad y la parte legal, ayuda a los artistas a mantener su salud financiera y a proteger su propiedad intelectual. Contratar a un buen abogado y a un buen contador hace que los contratos estén firmes y que las regalías se rastreen y se paguen con exactitud.

Al final, el éxito en el negocio de la música depende de construir relaciones de trabajo sólidas y de tener una estrategia de redes clara para conectar con fans nuevos y promover tu música grabada y tus presentaciones en vivo, incluidas las fechas de gira.

*Unchained Music no tiene ninguna afiliación con las marcas ni con los enlaces mencionados en este post.

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